El interés por explorar aspectos de la cultura propia es la clave de las propuestas presentadas por los artistas del Tolima para esta VII versión de Imagen Regional. Las propuestas de los artistas se sustentan desde medios convencionales como la pintura y el dibujo, ampliando los límites expresivos y formales hacia nuevas materialidades o anticipándose a relaciones espacio-temporales que permiten el encuentro con lenguajes diversos como el performance, la instalación y el video, al tiempo que abren otras posibilidades para la comprensión de los desplazamientos que posibilita el arte contemporáneo. El sentido crítico y el interés por repensar sucesos y fenómenos ligados a los contextos regionales y a las interacciones que demanda la cultura global en aspectos como la identidad, la transferencia y el intercambio de valores, se convierten en el eje conceptual que articula los intereses de los artistas seleccionados para esta muestra.

En el horizonte que abre esta mirada ubicamos el colectivo LAVAN MUESTRA, integrado por Moisés Morales Duque y Marco Alejandro Rico Salas, quienes han desarrollado su práctica artís-tica fundamentalmente alrededor del dibujo y la pintura. Moisés Morales nos presenta dos pinturas: Comiendo el polvo y Polvo en el camino; la primera referencia la urbe moderna aparentemente ordenada en su natural despliegue caótico. La segunda prioriza la gestualidad y el cromatismo, para apenas insinuar presencias que se mimetizan con la expresividad del plano. Los trabajos de Marco Alejandro Rico titulados Helicóptero amarillo y Poeta, recurren a situaciones vinculadas con la historia local y los fenómenos de la violencia, valiéndose de figuraciones en las que la ironía, el sarcasmo y el humor acentúan la carga crítica y el carácter simbólico de sus representaciones. Este colectivo ha protagonizado varias acciones de carácter político en el espacio público. En esta línea se ubica la obra Panóptico-Ibagué, una propuesta crítica de video-performance que muestra el registro de los artistas lavando con cepillo un texto que es proyectado a gran escala sobre la edificación del panóptico, en horas de la noche. La acción busca “hacer desaparecer una mancha moral, purificar, lavar la ofensa” de las promesas incumplidas que representa este espacio, declarado monumento nacional y proyectado para ser el museo panóptico de la región.

Miguel Antonio Ramiro Carrillo es un creador comprometido con la pintura figurativa. Su trabajo responde al interés por abordar temáticas que son desarrolladas en series en las cuales prevalece el sentido crítico frente a problemáticas del medio ambiente y la sociedad de consumo promovida por los agentes mediáticos. Con Mitos instala la reflexión sobre el automóvil como quimera de la modernidad y signo de estatus económico, pues, como señala el mismo artista, (…) ahora es el objeto lo que califica al sujeto; no consumimos objetos sino mitos modernos.

Umbrales, de Hugo y Alejandro Viana es un proyecto de instalación, dibujo y cerámica, concebido como un proceso e integrado por intervenciones in situ en varios lugares de Colombia. Cada par-te la determina la información del espacio arquitectónico que actúa como activador de la propuesta, dando como resultado obras autónomas e independientes que retroalimentan y resignifican el proceso global de la obra siempre en construcción. Los hermanos Viana centran su atención en el cuerpo como portador de un significado que deja su huella y se manifiesta en el espacio-tiempo de la obra. Por eso su interés radica en señalar su valor como mediador para el diálogo permanente y aleatorio entre las acciones humanas más primigenias y el propio significado del arte contemporáneo, en términos de desciframiento cultural.

La sala del pueblo es la propuesta de Graciela Romero, quien parte del empleo de materiales de reciclaje como carreteles del cableado de la luz y el teléfono para reconstruir, desde la pintura, una sala con todo su mobiliario. El propósito de la artista es crear escenarios de encuentro que se integren al espacio público de la urbe para reactivar aquellos sitios emblemáticos de Ibagué que han desaparecido. El mobiliario será transportado los días previos a la exposición a diferentes lugares donde se realizarán registros fotográficos del uso y las apropiaciones de los ciudadanos. Posteriormente, la instalación será ubicada en el espacio expositivo de Imagen Regional VII, acompañada por los registros fotográficos de la trayectoria.

La instalación que presenta Gloria del Pilar Garzón, Dientes de leche, es una creación colectiva realizada con los estudiantes de la comunidad educativa del barrio Modelia, localizado en la peri-feria de Ibagué. La artista interpreta el imaginario local y universal frente al mito de la transición humana representada por la caída de los dientes de leche. La exploración con los infantes por medio del cuento, el dibujo y el juego constituye una dinámica que potencia esta instalación de componentes objetuales, dialécticos y visuales. La forma como los individuos “coleccionan” esas piezas dentarias se convierte en un recurso que evoca la memoria de diferentes colectivos sociales y culturales.

Diego Pava Wulfert explora los posibles límites físicos y simbólicos del espacio pictórico para plantear una reflexión crítica en torno a elementos estructurales de la producción plástica. En su obra, Todo menos eso, se interesa por la manipulación de los soportes y la idea del desmantelamiento del bastidor que tradicionalmente sostiene el lienzo. Al deconstruirlo y construirlo nueva-mente, busca validarlo como una concepción escultórica autónoma donde el error, lo dislocado, lo fragmentado se puede manipular y recomponer desde varias perspectivas. En la serie Sumido es la tela la que se libera de la rigidez del bastidor que se tuerce, afloja y modela convirtiéndose en objeto escultórico.

Rocío García desarrolla una propuesta de performance que da continuidad a su serie Sushi. Para Imagen Regional propone la acción Sushi-Charrón donde plantea la recurrencia de patrones gastronómicos culturales, dentro de procesos interculturales estéticos, como es el caso de la tradicional lechona. El acto se convierte en un ritualismo festivo que se propone al público durante la no-che inaugural en un juego “multisensorial” a partir de la música y el placer de degustar la lechona servida en un delicado cuerpo femenino. Sushi-Charrón plantea una confrontación entre los gustos de la estética popular y aquellos inspirados en las culturas de la moda light.