Imagen Regional 7 • Pasto

En la séptima versión del programa Imagen Regional del Banco de la República y a lo largo de todas las anteriores se han planteado inquietudes con respecto a la producción artística de todas las regiones del País, para esta versión se trata de mostrar los resultados artísticos y conceptuales de cada una de las sedes, según un proceso ampliado de convocatoria, para mí se trata de identificar donde concluyen, piensan, reflexionan y producen los artistas de estas zonas con respecto a su contexto y región, es por eso que la propuesta ha llega-do a todas las esferas creativas y ha tratado de ser incluyente invitando la participación de artistas profesionales, en formación y empíricos.

Para esta exposición de imagen regional en Pasto se ha estructurado un eje central de investigación, el cual está marcado de manera general por un aspecto autobiográfico. La mayor parte de las propuestas hacen parte de un proceso creativo que nace del impulso de estos artistas por representar, comunicar y compartir experiencias de su entorno socio-cultural y mítico en espacios y escenarios propicios para el arte contemporáneo.

En un primer grupo encontramos algunas artistas que, desde una postura de género, proponen una clara referencia a la idea de lo femenino con respecto a las prácticas artísticas, enunciando y desarrollando aspectos tales como la identidad, la vanidad y la memoria.

Rosa Ángela Achicanoy presenta en su escultura Tono encarnado, un busto de aspecto femenino elaborado en sebo y más de cien lápices labiales, en el que la artista crea, a partir de diferentes tonos de rojos y blancos, un aspecto descarnado, similar anatómicamente a la apariencia de los músculos del rostro, lo que le imprime un gran aspecto dramático a la pieza. En esta obra se destaca el uso de labiales, un cliché de belleza femenina por excelencia, pero Rosa Ángela nos demuestra también otro aspecto, un ser monstruoso construido a partir de pequeños fragmentos y, en un sentido sociocultural, fundamentado en la apariencia, el consumo y la identidad.

En la obra de Juli Rosero López, que ha denominado Somier, la artista nos presenta una escena en siete momentos diferentes de un suceso aparentemente idéntico. Se trata de una escultura de pequeño formato en la cual identificamos claramente una forma femenina que se conecta con una estructura rectangular y que parece flotar en el espacio permitiendo vislumbrar un sutil movimiento entre las siete diferentes instancias.

El cuerpo dentro de su significado es una extensión ilimitada, que percibe y se ve afectada por un tiempo y espacio denotando una presencia y ausencia en la medida que comunica momento.

 Jennys Fernanda Obando Jaramillo, con su video Vi, elaborado a partir de la grabación casera de un recuerdo de infancia nos deja adentrarnos a sus memorias más íntimas en las que un acto elemental como ir al baño puede transformarse en todo un suceso estético, dadas las perspectivas simbólicas que esta pequeña animación contiene. Por una parte, la presencia del padre y la hija evocan el primer amor de una niña y, de otro lado, el miedo manifiesto por no poder ir por sí misma. Es un acto de preparación para la vida adulta y el comportamiento social.

Algunas veces los artistas emprenden sus investigaciones desde su vivencia personal, en otras ocasiones se sirven de experiencias de su entorno sociocultural o económico para expresar su proceso creativo.

Siguiendo con este sentido social de la obra de arte podemos catalogar los trabajos de los siguientes artistas:

Andrea Chávez Rivas nos muestra con su obra pictórica una reflexión sobre los niños de alguna comunidad periférica de su ciudad, donde adelantó una serie de visitas y charlas con los habitantes de ese lugar para capturar y comprender el entorno sociocultural en el cual sobreviven estos infantes. El díptico de Andrea Chávez, denominado Si pensabas que estaba perdido, son capturas sensibles de ese entorno, como ella misma afirma ...periferia es un lugar donde existen más ciudades dentro de la ciudad, donde cada día es una lucha, donde existen problemas sociales dentro y fuera de sus casas, donde han sido apartadas para ser ignoradas.... Formalmente es una pintura puntillista, utiliza una paleta cromática de tonos locales e integra algunos elementos en relieve que parten de improntas a partes de los cuerpos de estos pequeños, como vestigio de una presencia que se niega a desaparecer en ese vasto territorio.

Alejandro Guzmán expone el registro de un performance realizado en la Plaza de Nariño de la ciudad de Pasto, lugar en el que el mismo artista deposita una cantidad considerable de piedras extraídas de la quebrada La Huecada, y escribe la palabra “duelo”, lo que da nombre a la acción. Guzmán establece una relación directa entre imagen y texto, pues crea mediante la escritura todo un sistema de símbolos que detonan la percepción del espectador. Recuerda que la piedra siempre ha sido el cimiento de culturas ancestrales, demostrando fuerza, pensamiento y espíritu, además de haber sido usada por la población estudiantil de este y otros países latinoamericanos para protestar. El artista comenta: Es una voz de silencio que remueve, que distancia lo violento para hacerse poético, que es subversivo en su esencia y que llama a seguir manifestando aquellos dolores que nos tocan.

El trabajo pictórico de Juan Carlos Jiménez Garcés, denominado Tubérculo, está relacionado con el legado histórico prehispánico; el nombre se refiere a varios aspectos, el más evidente, relacionado con la parte formal, nos muestra un grupo de personajes que están a medio camino entre ser plantas y humanos; en la parte superior, donde se ubican las cabezas, se aprecian claramente los brotes de lo que parecen ser unas plantas, dejando que en la parte inferior sobresalgan algunas pequeñas raíces. Jiménez nos habla del desarraigo, del desprecio por lo nativo, de la preferencia por lo foráneo, convirtiendo a estos personajes en entes que, desprevenidos, terminan aislados de su núcleo.

El basilisco andino, del artista Carlos Felipe Insuasty, es un cortometraje basado en un cuento imaginario, ganador del V Concurso Nacional de Cuento. La historia narra la leyenda del dios Inca Viracocha, quien al morir recibe una pre-monición sobre el futuro de su pueblo; de esta forma regresa seis veces en forma de erupción volcánica al actual volcán Galeras. Insuasty se vale de los imaginarios colectivos de la tradición inca y nariñense para crear un falso documental en el que mezcla documentos veraces con algunos aspectos de tradición popular, como el carnaval, para crear una historia totalmente novedosa y contextualizada en el altiplano nariñense. Formalmente es una producción con mucho rigor y trabajo, realizada cuadro a cuadro, en la cual fueron utiliza-das diversas técnicas plásticas y artesanales como la acuarela y el barniz de Pasto. Los siguientes artistas se pueden relacionar con la idea de construir un lenguaje personal creado a partir de una necesidad manifiesta en un ejercicio de apropiación, y por la construcción y transformación de elementos e imágenes.

Juan Granda Romero presenta una pintura de gran formato que, de manera gestual, se convierte en un retrato expresionista de la ciudad, algunas impresiones de la calle, mi-radas, gestos cotidianos de habitantes caminando. Vemos un buen ejercicio de abstracción y canalización de sentimientos en una obra de apariencia gótica.

En la escultura de Allan Gerardo Eraso se puede evidenciar un afán de construcción y de simbolización de algunos elementos que parecen comprensibles a primera vista: se trata de un tótem o una especie de columna vertical que asciende por medio de una construcción con materiales formalmente rudimentarios e integra elementos con apariencia de rollos y algunos personajes en pequeña escala que interactúan entre sí y con la misma estructura. Dentro de la lectura de la obra, estas cuerdas cobran relevancia porque ayudan a establecer la precariedad del proceso en una construcción, sirven a manera de anclaje. (Cita del artista)

El trabajo plástico de Adrián Montenegro Galeano está demarcado por un constante devenir de imágenes que provienen de diversos y variados referentes de la historia del arte, a veces de aspecto ecléctico, pues comulga con aspectos personales desde sus preocupaciones, experiencias y sentimientos hacia el entorno regional local. La obra La cría crianza de la creación es un trabajo muy rico en símbolos, encriptados por una serie de imágenes que construyen un lenguaje absolutamente personal, que demuestra un interés por hacer confluir diversos aspectos en un mismo plano: misticismo, sexualidad e ironía integrados en una pregunta que seguramente tiene que ver con el origen de la imagen artística.

Mario Fernando Delgado presenta una serie de pinturas en las que recrea una particular mirada sobre algunas obras pertenecientes a diferentes momentos de la historia del arte. En su propuesta estética convergen elementos propios de pinturas como el Guernica, de Picasso, en un mismo contexto atemporal con figuras iconoclastas de la cultura pop, como Supermán; esta hibridación transhistórica, propia de nuestro tiempo, es el aporte del artista, quien se nutre de diferentes etapas del arte para ofrecernos una propuesta visual compuesta por múltiples capas y significados culturales.