Investigación, teoría y práctica / Bibliografía anotada:
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La siguiente lista es una pequeña selección de ensayos y textos útiles que fueron empleados para desarrollar las unidades y lecciones que aparecen en este sitio web. Esperamos que estos textos enriquezcan su práctica docente. Se trata de una lista en desarrollo, así que visítenos de nuevo con frecuencia, y agradecemos cualquier sugerencia para incluir recursos adicionales.

Con base en la premisa de que la educación contemporánea en las artes debe preparar a los estudiantes para la realización personal y permitirles contribuir creativamente a la sociedad, Freedman y Stuhr sostienen que un currículo de arte en el siglo XXI debe centrarse en asuntos, problemas y posibilidades que han surgido recientemente y que van más allá de los currículos basados en la disciplina y en la evaluación estandarizada. Utilizando la cultura visual para conectar a los creadores con los espectadores, los autores creen que las clases de arte deben ser conceptualizadas como espacios de tareas múltiples, donde imágenes y objetos llevan a estudiantes y profesores a través de la investigación de la cultura popular, ideas, problemas, opiniones y conflictos contemporáneos.

Este artículo se refiere a las presuposiciones que hace la gente cuando contempla obras de arte y al patrón de razonamiento que siguen cuando juzgan una obra de arte. El autor examina juicios pictóricos emitidos por diversos públicos de diferentes grupos de edad, y sostiene que las innovaciones en el arte crean una presión en el razonamiento estético cotidiano del público en general. Como resultado de ello, los profesores de arte deben comprender las presuposiciones que la gente aporta a la experiencia de contemplar obras de arte, y estar preparados para poner en duda su manera habitual de ver significado en el arte.

Michael Parsons argumenta que un currículo integrado de alta calidad se dirige a importantes problemas sociales, trasciende los límites de las disciplinas individuales e incluye temas que son ambiguos y deben ser comprendidos desde diversos puntos de vista. Basado en teóricos de la educación como Dewey, Lowenfeld y Gardner, el autor analiza el currículo desde una perspectiva social, psicológica y epistemológica, y ofrece ejemplos concretos de proyectos específicos de integración. Al hacerlo, cita desarrollos en el mundo del arte contemporáneo que subyacen a estos ejemplos, y permiten que el arte se convierta en un elemento fundamental del currículo integrado.

Este libro explora los muchos papeles que los programas exitosos de integración de las artes han desempeñado en el mejoramiento de la educación para los estudiantes en escuelas y comunidades. Comenzando con los reformadores de la década de 1980 en Chicago, quienes sostenían que los estudiantes no estaban desarrollando habilidades de pensamiento de orden superior, tales como la capacidad de resolver problemas, pensar creativamente, comunicarse con claridad y trabajar en equipo, los autores construyen un poderoso argumento a favor de poner las artes en el centro de la reforma educativa. Basados en informes y estudios actuales, los autores separan la integración de las artes de la educación artística convencional y examinan su estrategia pedagócia, sus beneficios educativos, y los retos implicados en hacerla fácilmente accesible en las escuelas y en los programas para después de la escuela. Este libro ofrece estrategias prácticas para educadores, para quienes elaboran políticas educativas, reformadores escolares y padres que desean utilizar las dimensiones emocionales, sociales y sensibles de las artes para interesar a los estudiantes y promover el desarrollo y el aprendizaje en todo el currículo.

Smith examina problemas relacionados con la filosofía y la práctica de la educación estética, en cuanto se relaciona con retos actuales y establecimiento de políticas en la educación artística. El autor ofrece múltiples definiciones y conceptos de “educación estética” a través del lente de tres pensadores claves (Schiller, Read y Dewey) y de varios teóricos contemporáneos. Se discuten recientes desarrollos y movimientos contemporáneos en relación con la educación estética, así como preguntas y problemas para ulterior consideración sobre el significado y naturaleza de la educación estética.

El autor critica concepciones erradas sobre la condición intelectual del aprendizaje en las artes visuales, a través de su exploración de los constructos teóricos de la práctica artística. Argumentando que el artista tiene el potencial de cambiar la manera como vemos y pensamos, Sullivan considera la experiencia del estudio como una forma de investigación cognoscitiva, y como un lugar donde puede adelantarse investigación cualitativa. Al poner en duda el papel que desempeñan la imaginación y el intelecto en la construcción del conocimiento, valida la práctica del arte como una forma legítima de investigación que suscita preguntas profundas y genera resultados fundamentados.

Esta es una edición ampliada de un recurso que trata sobre lo que pueden hacer los profesores y las escuelas dentro de su currículo, aula y métodos de enseñanza para ayudar a los estudiantes a aprender de manera más efectiva. Los autores se basan en nuevas investigaciones y hallazgos de diversas ramas de la ciencia para explorar la mejor manera de vincular la ciencia del aprendizaje con las prácticas que efectivamente se realizan en el aula. Este libro examina estos hallazgos y sus implicaciones para lo que se enseña, cómo se enseña y cómo se evalúa el aprendizaje de los estudiantes. Se incluyen en el texto casos ejemplares de enseñanza e ilustraciones sobre cómo la investigación sobre el aprendizaje ha revelado importantes principios para estructurar experiencias de aprendizaje que permiten a los estudiantes utilizar lo que han aprendido en nuevos contextos.

Dirigido a profesores interesados en ofrecer un programa de calidad en las artes al nivel de la escuela elemental y secundaria, este texto presenta psicología educativa y desarrollo infantil, así como planes para las clases, sugerencias prácticas para el aula e ilustraciones a todo color. La primera sección se centra en el papel de las artes en la sociedad y en las escuelas, los elementos fundamentales del diseño, estrategias de enseñanza y el valor intrínseco de la experiencia del taller de arte como motivación en las artes. La sección siguiente se ocupa del desarrollo del aprendizaje y del dearrollo creativo en los niños, maneras de integrar los ámbitos cognoscitivo, afectivo y psicomotor para enseñar habilidades de pensamiento de nivel superior, y cómo motivar a los estudiantes para que aprendan integrando el arte con otras áreas de contenido tales como ciencias y matemáticas. La última sección ofrece nuevos enfoques pedagógicos a la apreciación, historia, crítica y estética del arte, así como objetivos y criterios de evaluación para el aprendizaje en las artes.

Este libro documenta la instalación del artista neoyorquino Fred Wilson "Mining the Maryland Historical Society Collection" para crear una exposición intelectualmente provocadora que suscita respuestas emocionales a artefactos y documentos históricos. A través de las sorprendentes yuxtaposiciones de Wilson recreadas en este catálogo, ofrece una conexión personal más íntima con el pasado. Entre estas imágenes se reordenan y rotulan bustos de mármol, carteles de recompensas por esclavos fugitivos, e indígenas de cigarrería con la espalda vuelta hacia el espectador. Este álbum altamente provocador argumenta a favor de una relación más abierta e inclusiva entre las instituciones culturales y las comunidades a las que sirven y, a la vez, intensifica la conciencia del papel que desempeñan los museos en la presentación e interpretación de legados culturales.

En este libro, el profesor Renfrew argumenta que los arqueólogos pueden aprender mucho sobre la interpretación y comprensión del pasado a través de los enfoques adoptados por artistas contemporáneos. Investigas las maneras en las que artistas y arqueólogos contemporáneos buscan comprender el mundo mediante sus prácticas individuales únicas. Al examinar el arte como arqueología, y la arqueología como arte, ofrece al lector nuevas oportunidades de analizar y comprender la condición humana. Diversos exámenes de yacimientos arqueológicos se yuxtaponen a obras de arte y esculturas modernas hechas por artistas contemporáneos, que incluyen a Richard Long, Mark Dion, Antony Gormley, Eduardo Paolozzi y David Mach, cuyas obras son reconocidas por su compromiso con el entorno físico.

Este catálogo documenta la práctica artística de coleccionar y guardar como un medio de expresión artística a través de una serie de obras de arte: pinturas, esculturas, libros, fotografías, computadores, proyecciones, ready-mades e instalaciones. El catálogo sirve como reproducción y vista de la instalación de la exposición de Martin Kippenberger en el Instituto de Arte Contemporáneo de Filadelfia. Utilizando obras de 40 artistas diferentes internacionalmente aclamados, el autor ofrece una soprendente visión del proceso de creación en el arte. En muchos aspectos, este catálogo está organizado como un archivo para almacenar información, al categorizar las contribuciones artísticas, ensayos y textos de 25 autores diferentes por orden alfabético.

Sontag inteligente y rigurosamente examina descripciones visuales de la guerra a lo largo de la historia, centrándose en la fotografía. Analiza la veracidad de la imaginería de la guerra desde una perspectiva cultural y de género, e intenta diferenciar entre imágenes fácticas y de ficción. Al citar fotografías de guerra de la Guerra Civil y de la Guerra del Vietnam, las pinturas de Goya, y la obra contemporánea de Jeff Wall, entre otras, Sontag reconoce la maleabilidad de la imaginería de guerra y su capacidad de transformar la opinión pública. Las imágenes de la guerra detallan acontecimientos muy específicos y, sin embargo, siguen siendo vagas como indicadores del contexto cultural más amplio. En última instancia, Sontag concluye que, a pesar del abrumador poder de la imagen fotográfica, ésta no revela mayor cosa, o al menos nada que se aproxime a la empatía, al espectador privilegiado.

Los autores comienzan este artículo preguntándose cómo influye la emoción sobre la memoria. Específicamente, dividen los recuerdos en tres categorías: testigo presencial, recuerdo destello y experiencias traumáticas. Todas tres se someten a los mismos interrogantes. Primero, ¿intensifica o disminuye la emoción la capacidad de recordar? Segundo, ¿son o no necesarios mecanismos especiales para explicar el efecto de la emoción sobre el recuerdo? A través de una mezcla de teoría psicológica y observación científica, los autores afirman que la emoción puede afectar el recuerdo, tanto positiva como negativamente. Infortunadamente, sus efectos específicos son considerablemente más difíciles de determinar. La evaluación final postula que los procesos neurológicos involucrados en recordar son excesivamente complejos y variados como para reducirlos a una conclusión sencilla.

Este artículo se ocupa de la desconexión que percibe Michael H. Frisch entre historia y memoria en los Estados Unidos. Ve dos corrientes de pensamiento aparentemente dispares, que abarcan ambos lados del espectro político, y que contribuyen a este problema: la amnesia selectiva y el distanciamiento artificial. La primera se ejemplifica en la incapacidad de un estudiante de recordar hechos básicos acerca de la Guerra del Vietnam, a pesar de haber crecido cuando se desarrolló esta guerra. El segundo es caracterizado por una entrevista con un antiguo funcionario de la CIA, quien intenta relegar las atrocidades de Vietnam a una época muy diferente de la realidad actual. De cualquier manera, ambas aproximaciones son inadecuadas para comprometerse con el proceso de recordar y reconocer la influencia de la historia sobre los acontecimientos actuales. El autor cita obras del historiador oral Studs Terkel y del cineasta de documentales Marcel Ophuls como trabajos que establecen con éxito una conexión entre acontecimientos pasados y presentes, que ofrecen recuentos interpretativos de los recuerdos de la gente. Obras como las suyas, sostiene, rechazan el proceso de hacer cómoda la memoria pública y comienzan a revelar lo que significa realmente recordar.

Sandage postula que el movimiento de los derechos civiles utilizó estratégicamente el Monumento a Lincoln en Washington DC, y el ambiguo legado de Lincoln como el Gran Emancipador, a los ojos de los dirigentes negros, para conseguir amplia legitimidad en Estados Unidos. Se centra en dos acontecimientos seminales realizados en este Monumento que enmarcan un capítulo importante en la lucha de los negros por la igualdad. El primero fue una interpretación, en 1939, de “My Country ‘Tis of Thee” por la cantante negra Marian Anderson frente a un público integrado por 75.000 personas en el monumento. Esta actuación fue el primer acontecimiento de los derechos civiles que fue recibido favorablemente por el establecimiento estadounidense blanco para “ganarse un lugar positivo en la memoria pública de los estadounidenses.” (136). El segundo, la Marcha sobre Washington realizada en 1963, en la cual Martin Luther King, Jr. pronunció su discurso “Tengo un sueño,” representa la apoteosis del papel del Monumento a Lincoln en los derechos civiles en Estados Unidos, y da comienzo al papel de King como la figura principal del movimiento de los derechos civiles. Sandage ilustra de manera experta cómo los negros estadounidenses comprendieron y adoptaron “el icono llamado Abraham Lincoln” y la ubicación central del Monumento en el capitolio nacional para alinearse positivamente con la condición cada vez más legendaria de Lincoln en la memoria pública.

En su introducción al libro History and Memory, el editor David Thelen se refiere a cómo la memoria se ha convertido en una herramienta esencial para los estudios históricos académicos, pero afirma que no se comprende plenamente su naturaleza. Thelen desarrolla esta idea introduciendo dos “puntos de partida” para el estudio de la memoria y de la historia. El primero es que los recuerdos se construyen; no son reproducidos o meramente evocados. El otro es que la construcción de la memoria no se da aisladamente, sino a través de la interacción con otros, que incluyen a la familia y a miembros de la comunidad. Se requieren más estudios para investigar la naturaleza de la memoria pues, en su opinión, no se ha escrito lo suficiente sobre qué significa recordar. Dentro de este contexto, presenta los temas y autores de la colección de ensayos History and Memory, que busca remediar en parte el problema percibido. Este libro incluye análisis de historias orales relacionadas con Watergate, el incidente del ferry John Brown Harper, y los empleados de Studebaker. Se incluyen asimismo ensayos sobre las estructuras de la memoria colectiva estadounidense y recuerdos de la Guerra Civil relacionados con Frederick Douglass.

Este texto se dirige principalmente a educadores, para ayudarlos a comprender el funcionamiento del cerebro y ofrece ejemplos de cómo hacer corresponder prácticas pedagógicas con la forma como el cerebro codifica, manipula y almacena información. El autor explica por qué el significado es esencial para la atención, cómo la emoción puede intensificar o impedir el aprendizaje, y cómo diversos tipo de repetición son necesarios para distintos tipos de aprendizaje. Se incluyen maneras de usar los sentidos visuales y auditivos para intensificar el aprendizaje en todos los grados y asignaturas escolares, así como ejemplos probados en el aula de simulaciones, proyectos y problemas que hacen más significativo el currículo.

El propósito de este libro es mejorar las habilidades del estudiante para el pensamiento crítico a través de modelos y sugerencias que facilitan y mejoran los diálogos de los estudiantes acerca del arte. El libro ofrece muestras de discusiones críticas, y presenta estrategias de crítica exitosas y fallidas en una serie de contextos educativos. Las muestras de crítica ofrecen perspectivas reales de aula sobre cómo manejar el significado, problemas de género, influencias y otros aspectos. Se habla también de cómo juzgar los trabajos artísticos de los estudiantes; recomendaciones generales para críticas interactivas en grupo redondean esta guía para docentes activos.

A través de una amplia muestra de publicaciones de críticos actuales que escriben sobre el arte estadounidense contemporáneo, este texto complementario ayuda a los estudiantes a comprender mejor el arte contemporáneo al comprometerlos en el estudio de la estética y de la crítica. El autor organiza el libro en torno a respuestas críticas fundamentales tales como: describir, interpretar, juzgar y teorizar, que suministran tanto a profesores como a estudiantes un marco efectivo para ver y discutir arte contemporáneo y escribir sus propias respuestas críticas.

Este libro transforma la actual investigación al nivel mundial y la teoría de la evaluación en las artes en estrategias concretas para el aula. La autora ofrece una detallada explicación de los conceptos fundamentales y del vocabulario relacionado con la evaluación, así como muchos ejemplos de cómo puede integrarse directamente la evaluación a la enseñanza. Se detallan y evalúan estrategias para la evaluación del desempeño, y se incluyen ideas para mejorar la fortaleza del portafolio de artes, así como aproximaciones que propiciarán respuestas significativas de los estudiantes en los diarios de arte. Métodos tradicionales tales como calificaciones y juicios, y estilos formativos y acumulativos de evaluación se exploran también en este completo examen, que ofrece la información que necesitan los profesores para tomar decisiones informadas sobre la evaluación de los estudiantes en el aula.

Smith examina problemas relacionados con la filosofía y la práctica de la educación estética, en cuanto se relaciona con retos actuales y establecimiento de políticas en la educación artística. El autor ofrece múltiples definiciones y conceptos de “educación estética” a través del lente de tres pensadores claves (Schiller, Read y Dewey) y de varios teóricos contemporáneos. Se discuten recientes desarrollos y movimientos contemporáneos en relación con la educación estética, así como preguntas y problemas para ulterior consideración sobre el significado y naturaleza de la educación estética.